借用张艾嘉的歌名《忙与盲》来概括

日期:2019-11-03编辑作者:凤凰彩票下载-中国史

国产电影:类型丰富,审美单一

2015/12/25 | 文/赛人| 阅读次数:2480| 收藏本文

2015年是国产电影值得说道的一年,不仅大盘和单片刷新了中国电影票房纪录,多部影片斩获国际电影节大奖,而且各类型影片均有佳片推出,诚可谓国产电影的丰收年。

回顾一年来的国产电影产业,最重要的变化是电商对电影生产、发行、放映各个环节的全面介入。但凡最终成为“黑马”或者有巨大票房号召力的影片,背后无不有电商作为推手。互联网不仅在技术上全面接管,更逐步主导了中国电影的内在精神气质,从而极大地改变了电影本体。“文以载道”等传统的创作理念,正在被互联网文化颠覆,故而,传统的电影观众会对一些情节牵强、影像水准不过关、笑料拼凑的电影大卖感到费解。

可以说,在“互联网+”时代,一部电影还是不是巴赞所说的“现实的渐近线”已经变得无足轻重,鸵鸟心态和犬儒化的电影大行其道,导致尽管电影类型看上去更丰富,但实际上,电影的审美维度却越来越单一。借用张艾嘉的歌名《忙与盲》来概括,“忙”是当下中国人的生活写照,而“盲”却是中国电影的缩影。

《山河故人》《闯入者》《一个勺子》三部文艺片,是2015年在知识分子圈中比较有影响力的作品。贾樟柯的《山河故人》,像一个大V发的影像微博,其致命的缺陷在于主题先行和过于明确,把电影的美感和叙事空间挤压没了。只有状貌,没有状态。

贾樟柯当年在国际上成名,在于其以意大利新现实主义的手法,来拍摄变迁中的中国,但后来罗西里尼、德·西卡都远离了新现实主义道路,这不是没有原因的。一个中国导演该如何面对当下的中国现实?肯定不能一味地按照某种套路去拍。其实,贾樟柯走上了第五代导演的老路。不是所有人心的失落,都要图解为对社会的批判,电影应该有更生活化的表达,更灵性的美感。钱钟书先生说,写诗要像“水中盐,蜜中花”,不要急于表现主题或故事,在表现宏大严肃的主题时更应该如此。

相对来说,《闯入者》的叙事是比较认真和努力的,虽然偏欧化,但是本土化也做得不错。《闯入者》能够把历史和当下勾连起来,既有对空巢老人的现实观照,又有浓厚的悬疑感。但是《闯入者》不是单纯的犯罪片,而是在犯罪片的构架下面,对“闯入者”质疑。随着影片的进行,真正的闯入者露出水面,并揭示了“三线建设”所衍生的人性悲剧。影片除了讲述个人化的历史事件,还涉及到当下空巢老人的处境,以及三代人松散的、不可维系的家庭关系,个人在历史的漩涡中如何选择等问题。影片中还隐晦地提到老年人的性欲问题,朱文的《云的南方》也探索过这个问题。

而陈建斌自编、自导、自演的《一个勺子》,则是近年罕见的农村题材电影,现在拍农村题材又能引发广泛关注的电影很少,农村题材的电影应该成为时代的镜像。如果说《心迷宫》拍的是城镇化进程,那么《一个勺子》则拍出了对农耕文明流失的忧心忡忡,虽然在人物塑造上稍微脸谱化,但在影像表意上走得更远。

2015年的武侠片是国产电影的一道亮色,最重要的作品当然是台湾殿堂级导演侯孝贤的《刺客聂隐娘》和大陆导演徐皓峰的《师父》。

前者是侯孝贤第一部在大陆公映的影片,其气韵和味道却在向老一辈导演胡金铨的作品靠拢,这可能是侯导有意对前辈导演的溯源。武侠电影的纵坐标是唐代传奇,这是武侠文艺作品的源头,横坐标则是第一部国产武侠片《火烧红莲寺》。国产武侠片最开始是以西方的“侠”罗宾汉等形象为参照的,在本土化过程中,汲取了西部片、强盗片的营养,并在这一过程中确立了武侠片家国情怀的表达传统。

“国”的层面,乃侠之大者,为国为民,以武犯禁等等都为大家所熟知;而“家”的层面则在于“侠隐”。《刺客聂隐娘》中藩镇割据与中央集权的矛盾,也左右了聂隐娘个人的命运,但最后她还是成功地做到了“侠隐”,磨镜少年在电影中唯一的一次笑,是看到聂隐娘回来了,与他一起归隐。这时,片中音乐也变得轻快起来,聂隐娘在整个刺杀其表哥的过程中,都没有真正的刺杀,始终保持宽恕和爱,直到遇到了磨镜少年,聂隐娘才找到了心灵的安定。一个好导演应该像聂隐娘,保持爱心,特立独行。

此外,侯孝贤传达的“电影创作要背对观众”是很有价值的,现在的电影过于强调与观众正面接触,讨好观众,太多导演都想在观众中寻找同类。《刺客聂隐娘》讲述了一个道理:只有在不经意间,同类才会到来,就像磨镜少年在无意中来到聂隐娘身边。拍电影也是,如果急于找同类,其实是把电影往绝路上逼。不管是艺术电影还是商业电影,创作和创新才是第一位的,观众是没有义务创新的,这个任务应该由创作者完成。

近年来,“隐”的主题似乎成了拍武侠片的趋势。据传,姜文也要拍摄《侠隐》,而徐皓峰的武侠作品一贯都有“侠隐”的主题,有为情而隐的,有因为武术落后于时代而隐的。从《倭寇的踪迹》到《箭士柳白猿》,再到近期上映的《师父》,徐皓峰的功夫片已经成为独树一帜的类型。

中国人学武术无非为了两个目的:一是发挥潜能,保护自己;另一个是要耀武扬威,欺负别人,这也就形成了功夫片、武侠片中的善恶两支力量。当时代改变,功夫起不了暴力作用的时候,习武之人也要有相应的变化。徐皓峰的电影中的人物,如柳白猿就不得不面对这样的命运:旧有的暴力元素退出,造成了学武术之人的悲哀。徐皓峰选择的路,恰恰表明会功夫不是万能的,甚至还是悲哀的。他的影像填补的就是这块空白,让功夫落地。

《师父》比前两部作品要好,徐皓峰影片的一个特点是:人物性格还没立起来,其玩世不恭、鹤立鸡群的状态就先声夺人,这和古龙小说的写法很像,人物都有孩子气。《师父》的前半部分很不错,某些细节设置一度让我以为是致敬《情枭的黎明》,片中还致敬翻拍了《火烧红莲寺》。徐皓峰把武术拍成了艺术,他拍的武者总是有些忧郁,像知识分子。

陈凯歌导演的《道士下山》也是改编自徐皓峰的原着,但完全是陈氏的风格,虽然主题与《师父》有些相似。陈凯歌对功夫的理解在《道士下山》和《无极》中是一样的。陈凯歌对武术有一种诗化的理解,他认为武术能让人自由,《道士下山》中武者想飞就飞,像猿猴一样纵横山水,旨在建立一个生理乌托邦,这种隐居有些升华的意味。师徒是陈凯歌影像中重要的人物设定,师徒关系也是他一贯的探索主题,《黄土地》《霸王别姬》《梅兰芳》《赵氏孤儿》乃至《道士下山》中莫不有师徒关系。

如果说艺术片和武侠片是国产电影精粹的话,那么,动画电影则一直是国产电影的短板,与国际水平差距之大,一直饱受诟病。但2015年是国产动画电影扬眉吐气的一年,出现了《捉妖记》和《大圣归来》两匹“黑马”,前者由好莱坞动画导演执导,打造了高概念国产片的标杆之作,后者创下国产动画的票房纪录。

动画电影是拍给两类人看的,一是孩子,一是有童心的大人。《大圣归来》基本能满足这两类人的心理需求。美国动画两巨头:皮克斯和梦工厂的作品都会有“成长”的主题,尤其是近年来皮克斯的作品中,会有一个英雄去帮助别人成长,如今年公映的《头脑特工队》中“乐乐”的人物设置。这与美国主流电影的价值观是匹配的:英雄主义和个人成长。美国动画是满足观众此类心理期待的,而中国动画的增长点则在于民族化。

与动画电影兜售成长故事与青春心理颇为类似的,是青春片的集中爆发。近年来,青春片逐渐成为一个成熟的电影类型,从《那些年,我们一起追的女孩》和《致青春》引爆青春片开始,台湾和大陆共同掀起青春片的热潮,成为电影院线一道不容忽视的风景。

年底热映的《我的少女时代》有台湾青春片的共性:像童话。除了《恋恋风尘》《牯岭街少年杀人事件》这种有深度的青春片外,台湾的青春片总是和现实土壤缺乏紧密联系,包括近来林书宇的《星空》、杨雅的《女朋友·男朋友》,都沉浸在对美好爱情的单一描写中,而大陆的青春片则对成长中的痛表达得比较到位。

看待大陆青春片,要从整体上把握,青春片在很大程度上承担了大陆观众对悲剧和苦情戏的心理期待,青春片让人哭,喜剧片则让人笑。大陆青春片中的人物都害怕长大,尽量把自己低幼化,同时夸大长大后的艰难,这和当下的萌文化、耍贱的文化都勾连起来。其实,我们应该反思教育,为什么成人的世界会给青春片的拥趸那样的印象,让他们拒绝接受社会规范和训练?

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